Un mercado. Una fórmula. Un mural por Isamu Noguchi

Frida Kahlo (Coyoacán, Ciudad de México, 6 de julio de 1907–Coyoacán, Ciudad de México, 13 de julio de 1954). Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, nacida Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, fue una pintora mexicana cuya obra desarrolló una de las exploraciones más singulares de la identidad, el cuerpo y la cultura mexicana en el arte del siglo XX. Aunque su trayectoria estuvo estrechamente vinculada a Diego Rivera y al ambiente artístico surgido tras la Revolución mexicana, su pintura mantuvo una posición propia, alejada de la escala monumental y del carácter predominantemente público del muralismo.

Hija del fotógrafo Guillermo Kahlo y de Matilde Calderón, creció en la Casa Azul de Coyoacán, posteriormente convertida en Museo Frida Kahlo. La fotografía estuvo muy presente en su entorno familiar y tuvo una importancia constante en la construcción de su propia imagen. El archivo fotográfico que conservó durante toda su vida, abordado también por METALOCUS con motivo de la exposición Frida Kahlo – Sus fotografías, reúne imágenes de autores como Tina Modotti, Edward Weston, Man Ray, Brassaï, Lola y Manuel Álvarez Bravo o Nickolas Muray.

A los seis años enfermó de poliomielitis, que afectó a su pierna derecha. Más tarde estudió en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. El 17 de septiembre de 1925, con dieciocho años, sufrió un grave accidente cuando el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía. Las numerosas lesiones y el prolongado periodo de inmovilización marcaron profundamente su vida y durante la convalecencia comenzó a pintar de manera sistemática.

Desde entonces, el cuerpo se convirtió en uno de los principales territorios de investigación de su obra. Kahlo recurrió repetidamente al autorretrato para representar la identidad, la enfermedad, el dolor físico, la sexualidad, la maternidad frustrada y su relación con el entorno social y político. Sin embargo, su pintura no puede reducirse a una transcripción autobiográfica. Sus imágenes incorporan elementos de los exvotos mexicanos, el retrato colonial, las tradiciones populares, el arte prehispánico y la cultura visual moderna, articulados mediante una iconografía profundamente personal.

A finales de la década de 1920 entró en contacto con el círculo artístico y político al que pertenecían, entre otros, Tina Modotti y Diego Rivera. Kahlo y Rivera contrajeron matrimonio el 21 de agosto de 1929. Durante los años siguientes vivieron en distintos lugares de México y Estados Unidos, coincidiendo con los grandes encargos murales de Rivera en San Francisco, Detroit y Nueva York. Se divorciaron en 1939 y volvieron a casarse en San Francisco el 8 de diciembre de 1940.

Las estancias norteamericanas fueron también decisivas para la carrera independiente de Kahlo. Mientras Rivera realizaba sus grandes ciclos murales, ella continuó trabajando en pinturas de pequeña y mediana escala, radicalmente distintas de la monumentalidad muralista. Obras como Henry Ford Hospital (1932), My Birth (1932) o My Dress Hangs There (1933) incorporaron experiencias personales junto con una mirada crítica hacia la sociedad y la industrialización estadounidenses.

Su reconocimiento internacional se consolidó en la segunda mitad de la década de 1930. En 1938 André Breton visitó México, conoció su obra e intentó situarla dentro del surrealismo. Ese mismo año, Julien Levy organizó en Nueva York la primera exposición individual de Kahlo. En 1939 viajó a París invitada por Breton y participó en la exposición Mexique, organizada con la colaboración de Marcel Duchamp en la Galerie Renou et Colle. En ese contexto, el Estado francés adquirió The Frame (El marco, 1938), actualmente conservado en el Centre Pompidou. Kahlo, sin embargo, rechazó reiteradamente que su pintura debiera interpretarse como una representación de sueños y afirmó que pintaba su propia realidad.

La identidad mexicana ocupa una posición central en esa realidad pictórica. Kahlo incorporó a sus obras plantas, animales, objetos domésticos, indumentaria tradicional y referencias a culturas indígenas y al arte popular. Esa construcción visual se extendió también a su presencia pública: los vestidos tradicionales, las joyas prehispánicas y la elaboración consciente de sus retratos fotográficos formaron parte de una identidad visual inseparable de su pintura.

Entre sus obras más conocidas se encuentran The Two Fridas (Las dos Fridas, 1939), Self-Portrait with Cropped Hair (Autorretrato con pelo cortado, 1940), The Broken Column (La columna rota, 1944) y The Wounded Deer (El venado herido, 1946). En ellas desarrolló un lenguaje en el que el autorretrato dejó de funcionar simplemente como representación física para convertirse en un instrumento desde el que investigar cuestiones de género, identidad cultural, política y experiencia corporal.

Su compromiso político fue igualmente constante. Kahlo estuvo vinculada al comunismo mexicano y participó activamente en los ambientes políticos de izquierda de su época. Junto con Rivera intervino en las gestiones que permitieron a León Trotsky establecerse en México en 1937; Trotsky y Natalia Sedova residieron inicialmente en la Casa Azul. Su militancia política permaneció presente hasta los últimos años de su vida.

Durante la década de 1940, Kahlo alcanzó una presencia creciente en instituciones y exposiciones internacionales y desarrolló también una actividad docente. Su deteriorado estado físico exigió numerosas operaciones y largos periodos de hospitalización, aunque continuó pintando y participando en la vida artística mexicana.

En 1953, Lola Álvarez Bravo organizó en su Galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México la única exposición individual de Kahlo celebrada en México durante la vida de la artista. Su estado de salud era ya muy grave, pero Kahlo acudió a la inauguración instalada en una cama.

Frida Kahlo murió el 13 de julio de 1954 en la Casa Azul de Coyoacán, pocos días después de cumplir cuarenta y siete años. La casa abrió como museo en 1958, conservando una parte fundamental de sus obras, objetos, documentos y espacios domésticos.

Durante las décadas posteriores a su muerte, la valoración de su obra creció hasta convertirla en una de las figuras centrales del arte del siglo XX. Más allá de la enorme difusión popular de su imagen, su relevancia histórica reside en haber desarrollado un lenguaje pictórico propio en el que cuerpo, identidad, cultura mexicana, experiencia biográfica y política se integran sin quedar subordinados a ninguna de las corrientes artísticas con las que fue relacionada.

Diego Rivera (Guanajuato, México, 8 de diciembre de 1886 - Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957). Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez fue un pintor y muralista mexicano, una de las figuras fundamentales del arte mexicano del siglo XX y uno de los principales representantes, junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, del movimiento muralista surgido tras la Revolución mexicana.

Rivera inició en 1897 su formación artística en la Escuela Nacional de Bellas Artes de México, antigua Academia de San Carlos, donde estudió, entre otros maestros, con el paisajista José María Velasco. En 1907 viajó a Europa gracias a una beca. Tras una primera etapa en España, pasó buena parte de los años siguientes en París, incorporándose al ambiente de las vanguardias europeas y desarrollando, especialmente entre 1913 y 1917, una importante producción cubista en contacto con artistas como Pablo Picasso y Juan Gris.

Entre 1920 y 1921 recorrió Italia con una ayuda del gobierno mexicano para estudiar directamente la pintura mural del Renacimiento y sus procedimientos técnicos. En julio de 1921 regresó definitivamente a México, coincidiendo con el programa cultural impulsado por José Vasconcelos tras la Revolución. Su primer gran encargo mural fue La Creación (1922-1923), realizado en el anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria. Poco después comenzó el extenso ciclo de frescos de la Secretaría de Educación Pública, ejecutado entre 1923 y 1928, al que siguieron, entre otros, los murales de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo y los grandes ciclos del Palacio Nacional.

Rivera entendió el mural como un medio público de construcción y transmisión de la historia. Sus composiciones integraron referencias al pasado prehispánico, la conquista, la Revolución mexicana, el mundo campesino y obrero, la industrialización y los conflictos políticos y sociales contemporáneos. Su pintura combinó la tradición del fresco con la experiencia adquirida en las vanguardias europeas y desarrolló una narración monumental concebida en relación directa con la arquitectura y con el espacio público.

Su reconocimiento adquirió pronto una dimensión internacional. En diciembre de 1931, el Museum of Modern Art de Nueva York le dedicó su segunda gran exposición monográfica —tras la dedicada a Henri Matisse—. Ante la imposibilidad de trasladar sus frescos arquitectónicos, Rivera realizó para el museo una serie de «murales portátiles» sobre paneles independientes. La exposición alcanzó una extraordinaria asistencia y consolidó su presencia en Estados Unidos.

Entre 1932 y 1933 realizó por encargo de Edsel Ford el ciclo Detroit Industry para el Detroit Institute of Arts, ocupando las cuatro paredes del patio central del museo con una compleja representación de la industria moderna, el trabajo, la máquina, la ciencia y la sociedad contemporánea. Rivera consideró posteriormente este conjunto una de sus obras fundamentales.

En 1933 recibió el encargo de realizar Man at the Crossroads para el RCA Building del Rockefeller Center de Nueva York. La inclusión de un retrato de Lenin provocó un enfrentamiento con los promotores: Nelson Rockefeller solicitó su eliminación y Rivera se negó. El artista fue apartado del proyecto en mayo de 1933 y el mural fue destruido en febrero de 1934. Ese mismo año Rivera realizó en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México una nueva versión de la composición, titulada El hombre controlador del universo.

Su relación con Estados Unidos continuó con obras como Pan American Unity, realizada en San Francisco en 1940 para la Golden Gate International Exposition. El monumental fresco, compuesto por diez paneles, plantea la integración de las culturas indígenas y la tradición artística de México con la tecnología y la cultura industrial norteamericanas, un tema central en la obra madura de Rivera.

Paralelamente a su producción artística, Rivera reunió una extraordinaria colección de arte y objetos prehispánicos. En la década de 1940 comenzó a desarrollar, junto con el arquitecto y pintor Juan O'Gorman, el Museo Anahuacalli, concebido en los terrenos volcánicos de San Pablo Tepetlapa, al sur de Ciudad de México, como espacio destinado a albergar su colección y como proyecto de integración entre arte, arquitectura, paisaje y cultura prehispánica.

Rivera mantuvo a lo largo de su vida una intensa actividad política vinculada al comunismo, aunque su relación con el Partido Comunista Mexicano atravesó sucesivas rupturas y reconciliaciones. En 1922 ingresó en el partido; en 1937 participó decisivamente en las gestiones que permitieron a León Trotsky obtener asilo en México y, tras años de distanciamiento, fue readmitido en el Partido Comunista Mexicano en 1954.

Entre sus últimas grandes intervenciones se encuentran los murales del Instituto Nacional de Cardiología, nuevos ciclos del Palacio Nacional, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central (1947), las pinturas del Cárcamo del Río Lerma en el Bosque de Chapultepec (1951) y las realizadas para el Hospital de la Raza. Diego Rivera murió el 24 de noviembre de 1957 en su estudio de San Ángel, Ciudad de México. Su obra transformó la pintura mural en uno de los principales instrumentos de representación cultural, histórica y política del México del siglo XX y ejerció una influencia decisiva en el desarrollo internacional del arte público moderno.