Así fue DOCUMENTA 14- Learning from Athens, o aprendiendo de la hipocresía [1/2]

01/10/2017
Así fue DOCUMENTA 14- Learning from Athens, o aprendiendo de la hipocresía [1/2]
[Atenas] Grecia 04/08>07/16/2017 [Kassel] Alemaia 06/10-09/17, 2017
metalocus, MASSIMO MAZZONE, MATTEO BINCI
Marta Minujin – El Partenón de los Libros, 2017, Documenta 14, Friedrichsplatz Kassel, Alemania. Fotografía por Roman März. Imagen cortesía de Documenta 14
La edición de Documenta 14 de este año se ha realizado en Atenas, Grecia, y en Kassel, Alemania, desarrollando una amplia serie de exposiciones sobre aquellas investigaciones que supuestamente son ‘arte político’.
Cada vez que el arte político se presenta de manera institucional sufre una falta de autenticidad y por otro lado, se ofrece como la producción ulterior de una buena mercadería preparada para un mercado omnívoro. Siempre se muestra como una revolución "con permiso de los padres", o una revolución que "se suspende justo a la hora del almuerzo". Hipocresía, es la palabra, tal y como se puede ver en el título “Learning from Athens”, en realidad un proyecto neocolonial más allá de las intenciones de los comisarios.

Sin embargo, en el gran bazar de ideas y mercaderías se pueden encontrar cosas extremadamente interesantes. Traemos un resumen de lo que nos ha parecido más relevante:
 
- Interesante fue la serie The parliament of the body involucrando a activistas.

- El performance Auschwitz on the beach de Franco “Bifo” Berardi, que lamentablemente (y obviamente) fue censurada, una acción que ha intentado mostrar la trágica situación de los emigrantes y las políticas de seguridad europea, en una Europa que se muestra indiferente ante un nuevo holocausto.

- Un análisis realizado por Matteo Binci, sobre Kassel.

- Y una larga entrevista a nuestro artista favorito, comisario y flamencólogo, Pedro G. Romero, acompañado de un vídeo de la obra La farsa monea, realizada en Atenas y en Kassel por Israel Galván, el Niño de Elche y otros aristas,...
 
 

DOCUMENTA 14 EN KASSEL: Necesitamos espacios diferentes, por Matteo Binci
 

Fridericianum, Documenta Halle, Naturkundemuseum im Ottoneum, Peppermint, Königsplatz, Orangerie, Karlsaue, Palais Bellevue, Neue Galerie, Cinestar, Museum Für Sepulkralkultur, Grimmwelt Kassel, Hessisches Landesmuseum, Torwache, Leder MeidApartment, Friedrichsplatz, Gloria-Kino, Stadtmuseum Kassel, Lutherplatz, ex estación del metro, Bali-Kinos,Neue Neue Galerie, Gottschalk-Halle, Narrowcast house, Kulturzentrum Schlachthof, Nordstadtpark, Weinberg-terrassen, Kunsthochschule Kassel, Filmladen Kassel, Henschel-Allen, Glas-Pavillons e Giesshaus.


Todos estos son los espacios culturales que se pueden explorar en Kassel, entre una libertad aparentemente extendida, pero también entre pensamientos caóticos.

El propósito era ensamblar conflictos diferentes y multiformes. Afinar una tonalidad respetuosa de las pluralidades artísticas independientes, sin la fuerte influencia de un curador. En otras palabras, hacer una "coralidad" y no una colectividad, porque la colectividad a veces implica una homogeneización forzada del contenido cultural.

No obstante, el resultado es un aplanamiento general de las voces. Una subvaloración de los conflictos y su peculiaridad que, después de un collage, se volvieron mudos y complementarios. En este punto, cada uno es para sí mismo, la lista es de larga duración y la confusión es inevitable.

Algunos artistas, sin embargo, han conseguido no ser enjaulados y han planteado preguntas poderosas, sin dominar la escena y ser hegemónicos.

Por ejemplo, Cristopher D'Arcangelo y su archivo de acciones anárquicas:

Cuando miras una pintura,
¿dónde miras esa pintura?”

¿Cuál es la diferencia entre una pintura en la pared y una pintura
 en el suelo?

Cuando afirmo que soy un anarquista,
también debo decir que no soy anarquista,
para ser conforme con la (_ _ _ ) idea de oɯsınbɹɐuɐ

oɯsınbɹɐuɐ ןǝ ɐʌıʌ ǝnb

El 8 de marzo de 1978, a las 12:00 de la mañana, en el Museo del Louvre, Cristopher D'Arcangelo remueve de la pared una pintura del siglo XVIII titulada Conversation in a Park (Conversación en el parque). La pintura ilustra una pareja aristocrática en un jardín británico y la coloca sobre el suelo boca abajo. En lugar de la pintura, viene colocado un papel con el texto antes mencionado. La acción dura 30 minutos. Después de eso, la persona abandona el museo y nadie conoce su identidad. Un fotógrafo que estaba en la sala viene interrogado por la autoridad, que trata de secuestrar el video que grababa. D'Arcangelo quería identificar la estructura de poder, subrayar su vulnerabilidad y abrir nuevas posibilidades. Sus preguntas son "sencillas" y todos podemos responder a ellas con nuestras capacidades, porque las respuestas no pueden estar originadas por una voz única y unívoca. Su museo utópico es un lugar donde la gente puede pensar sin significados impuestos y donde puede acercarse al arte de una manera libre y personal.

Por otra parte, el anonimato y el intento de crear sentido, a pesar de las elipses (_ _ _ _), cuestionan la necesidad de reconsiderar los puntos de vista basados en el signo y en la completitud.

Stefanos Tsivopoulos reflexiona sobre la “práctica del archivo”. The Precarious Archive (Archivo Precario) es un proyecto de diez años de duración, centrado alrededor de una colección de 900 imágenes. Contiene documentos políticos y fotos relacionadas a los acontecimientos históricos más importantes que tuvieron lugar en la Grecia de la posguerra, vinculados con la historia europea y mundial (Guerra Fría, la Doctrina Truman, la dictadura griega y la Organización Revolucionaria 17 de noviembre). La pregunta es: ¿cuáles son las dinámicas de las culturas visuales en una democracia mediatizada y su efecto en la producción de la memoria colectiva? El archivo es siempre una presentación física e intelectual y es una cuestión de poder. Por lo tanto, ¿Cómo interactuamos con esta estructura? ¿Cuáles son las diferencias si el archivo no es un lugar fijo sino dinámico? En el proyecto, concebido como una actuación en vivo, un intérprete interactúa con el archivo y el público. El nos sugiere que nosotros mismos seamos el perpetuo intérprete de nuestro contacto con la historia y los archivos.

Pedro G. Romero, Israel Galván y  Niño de Elche presentan la perfomance La farsa monea; una investigación sobre la herencia de ser flamencos, pobres, gitanos. Según Jacques Derrida, el  heredero es “alguien capaz de enfrentarse contra aquéllos que se reivindican estar en posesión de una herencia” Por eso La farsa monea es la rebelión del cuerpo, de la música, del pensamiento y de las imágenes. Es un enorme núcleo creativo que considerando el pasado, desarrolla procesos de transformación libres y independientes.

Lois Weinberger desvela su Ruderal Society (Sociedad Ruderal). En la poética de "Ruderals" las plantas voluntarias están siempre listas para romper la presunción humana de la limpieza y del orden. El artista lucha contra la hiper-normalización, trabajando y cavando el suelo subyacente como un arqueólogo. La diversidad de la ignorada vegetación económicamente espontánea, es un "Lugar / donde lo vivo revela que está por encima de lo ordenado". La libertad de desarrollar el ciclo de vida permite un crecimiento incontrolable de plantas heterogéneas. Una reflexión surge de la obra: ¿cómo podría transponerse la misma libertad a la vida social humana?

Takis está interesado en la estructura del paisaje urbano. Su obra de arte Gong (1978), no es nada más que lo que usted ve: una hoja de metal y un electroimán. El campo magnético es un enorme imán que rodea el Corazón. El artista imagina crear una escultura musical que explora la misma estructura repetitiva de su forma. El sonido es funcional y espacial. El choque entre el electroimán y la lámina genera, con intervalos regulares, un sonido profundo, bajo y reverberante. El sonido es profundo y repetitivo. El electroimán suena el metal. El electroimán suena el metal. El electroimán suena el metal...

Estos artistas nos dicen que lo que necesitamos son espacios y arquitecturas diferentes.

El arte no puede permanecer sólo en un espacio único y blanco. El museo es simplemente un espacio igual que otros y debemos repensar su espacialidad si queremos romper su jerarquía. La naturaleza, el sonido, el cuerpo y la historia podrían ser dimensiones de libertad y heterogeneidad, pero hay que tener cuidado al planear la naturaleza, tocar el sonido, normalizar el cuerpo y resumir la historia.

 
Este video de VernissageTV muestra la instalación de Parthenon of Books en Documenta 14.

 

MAZZONE

Massimo Mazzone, (Marino, Roma, 1967), escultor, numerosas exposiciones en Europa y más allá, es miembro del grupo de artistas complot s.y.s.t.e.m, y profesor de escultura en la Academia Brera de Bellas Artes de Milán. Ha organizado diferentes agrupaciones para realizar intervenciones entre arte y arquitectura. Entre sus más recientes intervenciones y publicaciones:

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