El Museo Noguchi profundiza en dos proyectos olvidados de Isamu Noguchi, concebidos en el apogeo del modernismo estadounidense.

The Sculptor and the Ashtray explora los esfuerzos de Noguchi para diseñar el cenicero perfecto (un accesorio de mesa casi universal en esa época), y Composition for Idlewild Airport rastrea la historia del diseño no realizado de Noguchi para una escultura monumental para el nuevo el edificio de llegadas internacionales del aeropuerto de Nueva York Idlewild (ahora el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy).

Ambas exposiciones estarán en exhibición del 12 de febrero al 23 de agosto de 2020.
Noguchi estaba profundamente sincronizado con la obsesión de mediados de siglo de Estados Unidos con el poder del diseño para dar forma al mundo moderno. Estas exposiciones paralelas dan testimonio de su interés en hacer esculturas de todo en todas partes. Lo más notable en su carrera, y en el contraste entre los dos proyectos, es su perspectiva claramente no jerárquica sobre lo que constituyó un uso significativo de su tiempo. A mediados de la década de 1940, el cenicero, cotidiano y omnipresente, incluso más que el martini shaker, la radio o la barbacoa, era un ejemplo de un objeto en el centro de un ritual social predominante, cuya forma era entonces llegando a ser central en la concepción de Noguchi de cómo hacer una escultura moderna socialmente relevante. A fines de la década de 1950, el transporte aéreo era un ritual de modernidad aún en desarrollo, en el proceso de convertirse en sinónimo de la cultura mundial.

El escultor y el cenicero
 
El escultor y el cenicero se inspiró en un artículo inédito escrito alrededor de 1944 por Mary Mix (Foley), una escritora de arquitectura y diseño en el Foro Arquitectónico de George Nelson. Relata los esfuerzos de Noguchi para diseñar el cenicero perfecto. Mix notó que este "artilugio de lugar común" fue hecho y utilizado en todo el espectro de la cultura material, desde artículos de novedad pegajosos y botines de marketing diseñados por "hacks" desconocidos hasta objetos de arte de oro macizo concebidos por los grandes artesanos del mundo. día para las mesas de café de los monarcas.
 
El artículo de Mix documenta la creación de Noguchi de dos familias de conceptos de cenicero. El primero, hecho a mano y biomórfico, fue desarrollado a través de un proceso de refinamiento progresivo. Más de nueve prototipos de yeso modelado. Estos se conocen de la cuenta de Mix, y dos imágenes en los diseños del artículo los muestran agrupados. De la novena iteración, que Noguchi parece haber considerado el diseño terminado en esa línea de pensamiento, Mix escribió que el cenicero apareció "no como un diseño inteligente, sino como un objeto natural que creció inevitablemente y no podía ser de otra manera".
 
El otro concepto era un diseño modular concebido para la fabricación industrial, que se produciría "a bajo costo por millón", según Noguchi. Consistía en conjuntos de proyecciones en forma de bala de pie, que se producirían en vidrio o metal, que podrían colocarse en otros ceniceros como accesorio, y alrededor de los cuales Noguchi diseñó dos ceniceros completos, cada uno con un esquema ligeramente diferente para facilitar la limpieza fácil. Noguchi se refirió a esta versión, que vio como el resultado de la invención en lugar de la artesanía, como "una expresión estadounidense de la era de la máquina". Le dijo a Mix que "un artista que no aprovecha" las instalaciones de Estados Unidos para la fabricación de máquinas ... ¡es simplemente un tonto!” Sin embargo, resultó que el diseño del cenicero era demasiado complejo para las técnicas industriales existentes.

La exposición incluye solicitudes de patentes para el segundo concepto de Noguchi, réplicas de los diseños contenidos en ellas, cartas entre Noguchi y su amigo cercano R. Buckminster Fuller relacionadas con el concepto, copias de exhibición de prototipos de cenicero Noguchi (inexistentes) y el mecanografiado original. del artículo de Mix y dos diseños de maquetas.

Composición para el aeropuerto de Idlewild

En 1956, los arquitectos Skidmore, Owings & Merrill (SOM) invitaron a Noguchi a presentar un diseño para una escultura monumental para el nuevo Edificio de Llegadas Internacionales que estaban diseñando para el Aeropuerto Idlewild de Nueva York, el primer aeropuerto internacional a gran escala en el mundo . Cuatro años más tarde, en un perfil de la revista Noguchi de 1960 escrito para The Palette, Fuller pareció reconocer la conveniencia de que Noguchi trabajara en el contexto de un aeropuerto, afirmando: “... Isamu siempre ha estado inherentemente en casa, en todas partes. Se ha movido de un lado a otro en sus grandes patios traseros y frontales cuyas extensiones hacia el este y hacia el oeste finalmente se fusionaron en un cerco mundial. ... los pilotos de las aerolíneas mundiales ... tienen los registros de viaje de la historia. Pero es seguro decir que Isamu Noguchi es el artista más viajado de la historia ".

El diseño propuesto por Noguchi, una columna grande que mira hacia el cielo, no fue seleccionada, y la comisión fue para su contemporáneo y antiguo rival Alexander Calder, quien propuso un móvil masivo.

La composición para el aeropuerto de Idlewild explorará el diseño de Noguchi con una variedad de modelos relacionados, maquetas, planos arquitectónicos y fotografías y documentos de archivo. Lo más destacado es el modelo de competición recientemente restaurado Noguchi ejecutado en yeso, así como una columna derivada que hizo en mármol griego, que se exhibió en su exposición de 1959 en la Stable Gallery de Nueva York. Esa pieza, que permaneció en la colección de Noguchi pero se rompió en algún momento y no se reparó en su vida, también se ha conservado recientemente. La exposición también contará con una copia de la exposición de un modelo del Edificio Lever Brothers diseñado por SOM, ahora conocido como Lever House, para el cual Noguchi diseñó un patio no realizado. Ese proyecto fue el semillero de la idea que Noguchi presentó para la comisión Idlewild y la inspiración para muchas esculturas independientes, incluidas sus variaciones sobre el pájaro en el espacio de Constantin Brancusi, una de las cuales, Bird B, también se incluye en la exposición.

Más información

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Lugar / dirección
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The Noguchi Musuem. 9-01 33rd Road (at Vernon Boulevard). Long Island City, Nueva York 11106. EE. UU.
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Fechas
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Del 12 de febrero al 23 de agosto de 2020.
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Isamu Noguchi (1904-1988) fue uno de los escultores más importantes y aclamados por la crítica del siglo XX. A través de toda una vida de experimentación artística, creó esculturas, jardines, diseños de mobiliario e iluminación, cerámica, arquitectura y diseños de escenarios. Su obra, a la vez sutil y audaz, tradicional y moderna, establece un nuevo estándar para la reintegración de las artes.

Noguchi, un internacionalista, viajó extensamente por toda su vida. (En sus últimos años se mantiene estudios en Japón y en Nueva York.) Descubrió el impacto de las obras públicas de gran escala en México, cerámicas terrosas y tranquilos jardines en Japón, técnicas sutiles de tinta en China, y la pureza del mármol en Italia. Incorpora todas estas impresiones en su obra, donde utiliza una amplia gama de materiales, incluyendo acero inoxidable, mármol, hierro fundido, madera de balsa, bronce, aluminio de hoja, basalto, granito, y agua.

Nacido en Los Ángeles, California, de madre americana y padre japonés, Noguchi vivió en Japón hasta la edad de trece años, cuando se trasladó a Indiana. mientras estudiaba pre-medicina en la Universidad de Columbia, tomó clases de escultura de las tardes, en el Lower East Side de Nueva York, con el escultor Onorio Ruotolo. Pronto dejó la Universidad para convertirse en un escultor académico.

En 1926, Noguchi vio una exposición en Nueva York de la obra de Constantin Brancusi que cambió profundamente su dirección artística. Con una beca John Simon Guggenheim, Noguchi fue a París, y de 1927 a 1929 trabajó en el taller de Brancusi. Inspirado por las formas reductivas del artista, Noguchi se volvió hacia el modernismo y una especie de abstracción, infusionando sus piezas de cuidada terminación con una expresividad lírica y emocional, y con un aura de misterio.

El trabajo de Noguchi no fue ampliamente reconocido en los Estados Unidos hasta 1938, cuando completó una escultura a gran escala que simboliza la libertad de la prensa, que fue encargado por el edificio Associated Press en el Rockefeller Center, de Nueva York. Este fue el primero de lo que se convertiría en numerosas obras públicas celebradas en todo el mundo, que van desde parques infantiles para plazas, jardines a  fuentes, todo reflejando su creencia en la importancia social de la escultura.

En 1942, Noguchi estableció un estudio en el callejón MacDougal 33, en Greenwich Village, después de haber pasado gran parte de la década de 1930  en la ciudad de Nueva York, pero viajando frecuentemente a Asia, México y Europa.

El ataque japonés a Pearl Harbor y la reacción contra los japoneses-americanos en los Estados Unidos tuvieron un efecto personal dramático en Noguchi, motivándolo para convertirse en un activista político. En 1942, comenzó  la Mobilización por la Democracia de Artistas y Escritores Nisei [Nisei Writers and Artists Mobilization for Democracy], un grupo dedicado a dar a conocer el patriotismo de los estadounidenses de origen japonés. También pidió ser trasladado en un campo de internamiento en Arizona, donde vivió durante unos breves siete meses. Después de la Guerra, Noguchi pasó una gran cantidad de tiempo en Japón explorando las dolorosas cuestiones planteadas durante los años anteriores. Sus ideas y sentimientos se reflejan en sus obras de ese período, en particular en las esculturas de losa delicadas presentes en la exposición de 1946, "Catorce estadounidenses" ['Fourteen Americans'], en el Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Noguchi no pertenece a ningún movimiento en particular, pero colaboró ​​con artistas que trabajan en una variedad de disciplinas y escuelas. Creó escenarios en 1935 para el bailarín / coreógrafo Martha Graham, a partir de una colaboración permanente; así como para el bailarín / coreógrafo Merce Cunningham, Erick Hawkins, y George Balanchine y el compositor John Cage. En la década de 1960, Noguchi comenzó a trabajar con la piedra tallador Masatoshi Izumi en la isla de Shikoku, Japón; una colaboración que también continuaría durante el resto de su vida. De 1960 a 1966, trabajó en un diseño de parque infantil con el arquitecto Louis Kahn

Cada vez que les da la oportunidad de aventurarse en la producción en masa de sus diseños de interiores, Noguchi aprovechó. En 1937, se diseñó un interfono baquelita para el Zenith Radio Corporation, y en 1947, su mesa de cristal fue producido por Herman Miller. Este diseño, junto con otros, como sus diseños para Akari Light Sculptures que fueron desarrollados inicialmente en 1951 utilizando materiales tradicionales japoneses todavía se están produciendo en la actualidad.

En 1985, Noguchi abre la Isamu Noguchi Garden Museum (ahora conocido como el Museo Noguchi), en Long Island City, Nueva York. El museo, creado y diseñado por el artista, marcó la culminación de su compromiso con los espacios públicos. Situado en un edificio industrial de 1920 en la calle de donde el artista se había establecido un estudio en 1960, tiene un jardín de esculturas al aire libre sereno, y muchas galerías que muestran el trabajo de Noguchi, junto con fotografías y modelos de su carrera.

La primera retrospectiva de Noguchi en los Estados Unidos fue en 1968, en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. En 1986, representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia. Noguchi recibió la medalla MacDowell Edward a una Contribución Vital Sobresaliente en las Artes[Edward MacDowell Medal for Outstanding Lifetime Contribution to the Arts] en 1982; el Premio Kyoto en Artes en 1986; la Medalla Nacional de las Artes en 1987; y la Orden del Tesoro Sagrado del Gobierno de Japón en 1988. Murió en la ciudad de Nueva York en 1988.
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