Frida Kahlo – Sus fotografías

Frida Kahlo (Coyoacán, Ciudad de México, 6 de julio de 1907–Coyoacán, Ciudad de México, 13 de julio de 1954). Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, nacida Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, fue una pintora mexicana cuya obra desarrolló una de las exploraciones más singulares de la identidad, el cuerpo y la cultura mexicana en el arte del siglo XX. Aunque su trayectoria estuvo estrechamente vinculada a Diego Rivera y al ambiente artístico surgido tras la Revolución mexicana, su pintura mantuvo una posición propia, alejada de la escala monumental y del carácter predominantemente público del muralismo.

Hija del fotógrafo Guillermo Kahlo y de Matilde Calderón, creció en la Casa Azul de Coyoacán, posteriormente convertida en Museo Frida Kahlo. La fotografía estuvo muy presente en su entorno familiar y tuvo una importancia constante en la construcción de su propia imagen. El archivo fotográfico que conservó durante toda su vida, abordado también por METALOCUS con motivo de la exposición Frida Kahlo – Sus fotografías, reúne imágenes de autores como Tina Modotti, Edward Weston, Man Ray, Brassaï, Lola y Manuel Álvarez Bravo o Nickolas Muray.

A los seis años enfermó de poliomielitis, que afectó a su pierna derecha. Más tarde estudió en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. El 17 de septiembre de 1925, con dieciocho años, sufrió un grave accidente cuando el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía. Las numerosas lesiones y el prolongado periodo de inmovilización marcaron profundamente su vida y durante la convalecencia comenzó a pintar de manera sistemática.

Desde entonces, el cuerpo se convirtió en uno de los principales territorios de investigación de su obra. Kahlo recurrió repetidamente al autorretrato para representar la identidad, la enfermedad, el dolor físico, la sexualidad, la maternidad frustrada y su relación con el entorno social y político. Sin embargo, su pintura no puede reducirse a una transcripción autobiográfica. Sus imágenes incorporan elementos de los exvotos mexicanos, el retrato colonial, las tradiciones populares, el arte prehispánico y la cultura visual moderna, articulados mediante una iconografía profundamente personal.

A finales de la década de 1920 entró en contacto con el círculo artístico y político al que pertenecían, entre otros, Tina Modotti y Diego Rivera. Kahlo y Rivera contrajeron matrimonio el 21 de agosto de 1929. Durante los años siguientes vivieron en distintos lugares de México y Estados Unidos, coincidiendo con los grandes encargos murales de Rivera en San Francisco, Detroit y Nueva York. Se divorciaron en 1939 y volvieron a casarse en San Francisco el 8 de diciembre de 1940.

Las estancias norteamericanas fueron también decisivas para la carrera independiente de Kahlo. Mientras Rivera realizaba sus grandes ciclos murales, ella continuó trabajando en pinturas de pequeña y mediana escala, radicalmente distintas de la monumentalidad muralista. Obras como Henry Ford Hospital (1932), My Birth (1932) o My Dress Hangs There (1933) incorporaron experiencias personales junto con una mirada crítica hacia la sociedad y la industrialización estadounidenses.

Su reconocimiento internacional se consolidó en la segunda mitad de la década de 1930. En 1938 André Breton visitó México, conoció su obra e intentó situarla dentro del surrealismo. Ese mismo año, Julien Levy organizó en Nueva York la primera exposición individual de Kahlo. En 1939 viajó a París invitada por Breton y participó en la exposición Mexique, organizada con la colaboración de Marcel Duchamp en la Galerie Renou et Colle. En ese contexto, el Estado francés adquirió The Frame (El marco, 1938), actualmente conservado en el Centre Pompidou. Kahlo, sin embargo, rechazó reiteradamente que su pintura debiera interpretarse como una representación de sueños y afirmó que pintaba su propia realidad.

La identidad mexicana ocupa una posición central en esa realidad pictórica. Kahlo incorporó a sus obras plantas, animales, objetos domésticos, indumentaria tradicional y referencias a culturas indígenas y al arte popular. Esa construcción visual se extendió también a su presencia pública: los vestidos tradicionales, las joyas prehispánicas y la elaboración consciente de sus retratos fotográficos formaron parte de una identidad visual inseparable de su pintura.

Entre sus obras más conocidas se encuentran The Two Fridas (Las dos Fridas, 1939), Self-Portrait with Cropped Hair (Autorretrato con pelo cortado, 1940), The Broken Column (La columna rota, 1944) y The Wounded Deer (El venado herido, 1946). En ellas desarrolló un lenguaje en el que el autorretrato dejó de funcionar simplemente como representación física para convertirse en un instrumento desde el que investigar cuestiones de género, identidad cultural, política y experiencia corporal.

Su compromiso político fue igualmente constante. Kahlo estuvo vinculada al comunismo mexicano y participó activamente en los ambientes políticos de izquierda de su época. Junto con Rivera intervino en las gestiones que permitieron a León Trotsky establecerse en México en 1937; Trotsky y Natalia Sedova residieron inicialmente en la Casa Azul. Su militancia política permaneció presente hasta los últimos años de su vida.

Durante la década de 1940, Kahlo alcanzó una presencia creciente en instituciones y exposiciones internacionales y desarrolló también una actividad docente. Su deteriorado estado físico exigió numerosas operaciones y largos periodos de hospitalización, aunque continuó pintando y participando en la vida artística mexicana.

En 1953, Lola Álvarez Bravo organizó en su Galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México la única exposición individual de Kahlo celebrada en México durante la vida de la artista. Su estado de salud era ya muy grave, pero Kahlo acudió a la inauguración instalada en una cama.

Frida Kahlo murió el 13 de julio de 1954 en la Casa Azul de Coyoacán, pocos días después de cumplir cuarenta y siete años. La casa abrió como museo en 1958, conservando una parte fundamental de sus obras, objetos, documentos y espacios domésticos.

Durante las décadas posteriores a su muerte, la valoración de su obra creció hasta convertirla en una de las figuras centrales del arte del siglo XX. Más allá de la enorme difusión popular de su imagen, su relevancia histórica reside en haber desarrollado un lenguaje pictórico propio en el que cuerpo, identidad, cultura mexicana, experiencia biográfica y política se integran sin quedar subordinados a ninguna de las corrientes artísticas con las que fue relacionada.