La exposición reúne una amplia selección de obras escultóricas e instalaciones monumentales creadas entre 1974 y 1997, procedentes de colecciones de museos internacionales y realizada con el apoyo del patrimonio de James Lee Byars, brindando al público la oportunidad de admirar el trabajo de un artista que ha dejado una huella indeleble en la historia del arte, desarrollando un lenguaje visual y performativo en capas que traspasa los límites del conocimiento y subvierte su lógica.
«Normalmente concebimos retrospectivas site-specific que dialogan con la arquitectura de Pirelli HangarBicocca. En su práctica, James Lee Byars solía adaptar su corpus de obras al espacio en el que se exhibía, creando así una exposición que era una instalación general en sí misma. Por lo tanto, nuestra selección de obras de arte interactúa con el antiguo edificio industrial de Navate, desafiándonos a interpretar el espacio de acuerdo con el enfoque conceptual del propio artista».
Vicente Todolí, comisario.
Junto con la retrospectiva, se producirá un catálogo monográfico que se lanzará en noviembre de 2023 y será publicado por Marsilio Editori. El volumen incluirá textos de diversos historiadores, una contribución conjunta del artista Maurizio Nannucci, con quien Byars mantuvo una larga relación y correspondencia y una introducción de Vicente Todolí. El libro se completará con entradas detalladas de las obras expuestas, una cronología detallada del artista y una extensa documentación fotográfica de la retrospectiva.
El suelo de diamantes por James Lee Byars, 1995. Cristales de vidrio. The Estate of James Lee Byars, cortesía de Michael Werner Gallery, Nueva York y Londres.
El artista
James Lee Byars, uno de los artistas estadounidenses más reconocidos desde la década de 1960 hasta la actualidad, influyó en toda una generación de artistas en los campos del arte conceptual y del performance. Nacido en Detroit en 1932, Byars siempre estuvo fascinado por la cultura japonesa, que ejerció una profunda influencia en su práctica artística a lo largo de su vida. De hecho, desde finales de los años cincuenta y durante toda la década de los sesenta el artista vivió entre Japón y Estados Unidos. Después de eso, vivió y trabajó de forma nómada, moviéndose entre diferentes lugares y ciudades, incluidas Nueva York, Berna, Santa Fe y California. También desarrolló una estrecha relación con Italia, especialmente con la ciudad de Venecia, donde en 1975 representó la famosa representación El Espíritu Santo, y luego decidió vivir y trabajar allí durante la mayor parte de la década de 1980. En 1989 fue invitado por Castello di Rivoli a realizar su primera retrospectiva en un museo italiano.
A lo largo de su obra, Byars combinó motivos y símbolos de tradiciones y civilizaciones orientales, como elementos del teatro Nô y del budismo zen, con un profundo conocimiento del arte y la filosofía occidentales, ofreciendo una visión personal única de la realidad y sus entidades físicas y espirituales. Haciendo uso de diferentes medios, como instalación, escultura, performance, dibujo y discurso, el artista creó lo que se puede describir como una reflexión místico-estética sobre las ideas de perfección y ciclicidad, y sobre la figura humana –su representación y desmaterialización–, a menudo involucran a los visitantes directamente en acciones temporales o intervenciones a gran escala.
Un elemento central de su trabajo fue la relación del artista con el público, a quien a menudo se le invitaba a interactuar con el propio artista, respondiendo con su presencia a las preguntas que él planteaba directa e indirectamente a través de sus obras. Muchas de las instalaciones fueron diseñadas por James Lee Byars para que él mismo las activara de forma performativa. Desde su muerte, este aspecto particular plantea interrogantes sobre la presencia-ausencia del artista, quien, a lo largo de su vida, centró su práctica en su propia persona y su representación a través de acciones, gestos, rituales y vestimentas que tenían conexiones visuales y simbólicas con los trabajos.
James Lee Byars delante de La puerta de la inocencia por James Lee Byars, 1986-87. Mármol dorado. Museo Municipal de Arte de Toyota, Aichi. Vista de la instalación, Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Turín 1989. Fotografía por Elio Montanari.
La exposición
Más de tres décadas después de su última exposición institucional en Italia, la retrospectiva de Pirelli HangarBicocca sobre James Lee Byars reúne obras de gran escala, en las que se aprecian preciosas y refinados materiales, como mármol, terciopelo, seda, pan de oro y cristal, se combinan armoniosamente con geometrías minimalistas y arquetípicas, como prismas, esferas, pilares y objetos de estilo barroco, en un juego de referencias cruzadas simbólicas y estéticas entre forma y contenido. Una obra ejemplar, entre las presentadas en la exposición, es también una de las más históricas: HEAR TH FI TO IN PH alrededor de esta silla y te derriba (1977). La obra de arte consiste en una tienda de campaña de seda negra que alberga una silla giratoria dorada del siglo XIX sobre una alfombra de seda bordada en oro.
El asiento vacío, iluminado por una luz vertical, y la sutil preciosidad del entorno recuerdan imágenes de diversas tradiciones orientales, como el trono de Buda, símbolo zen de la iluminación mediante la desaparición del yo, o la práctica sintoísta de ofrecer asientos a espíritus que habitan los santuarios. La instalación se exhibió por primera vez en 1977 en la inauguración de la galería Marian Goodman en Nueva York, durante la cual Byars llevó a cabo un acto performativo: vestido de negro y escondido entre los pliegues de las cortinas, apuntó con una linterna a la silla y exclamó la frase «Escuchas la primera filosofía totalmente interrogativa alrededor de esta silla y te derribas», de donde deriva el título de la obra.
En Pirelli HangarBicocca, a partir de múltiples significados alegóricos y formales de la materia, la exposición aborda temas que han recorrido la práctica del artista como la búsqueda de la perfección, la duda como aproximación a la existencia y la finitud del ser humano, invitando a los visitantes a reflexionar sobre las potencialidades alquímicas del arte para dar forma a la realidad.
La tumba de James Lee Byars por James Lee Byars, 1986. Arenisca de Berna. Vista de la instalación, IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno, 1995. The Estate of James Lee Byars, cortesía de Michael Werner Gallery, Nueva York y Londres.
La exposición se abre con la monumental La Torre Dorada de 1990. El público es recibido por una torre dorada de 21,5 metros de altura, que resume la investigación del artista sobre la interacción entre formas perfectas y materiales inmutables. James Lee Byars realizó los primeros dibujos conceptuales de la obra a principios de los años 1970: concebida para ser expuesta en espacios públicos, en la idea inicial se suponía que tendría más de 300 metros de altura. Se realizó por primera vez en 1990, cuando se presentó en Martin-Gropius-Bau en Berlín.
Según el artista, las formas arquetípicas, similares a obeliscos y tótems, se convierten en el símbolo de la figura humana y sus aspectos más trascendentales y espirituales, de los cuales La figura de la muerte (1986) es representativa. La escultura, una estructura vertical compuesta por diez cubos de basalto, ofrece un momento de reflexión sobre la naturaleza de la muerte y sobre su memorialización y monumentalización. Los ciclos de vida y la temporalidad, por otro lado, están simbolizados por los elementos del círculo y la esfera, que se encuentran especialmente en dos de las obras expuestas.
La Puerta de la Inocencia (1986-89) es una escultura de mármol dorado en forma de anillo y evoca un momento de paso y transformación, a través del cual conceptos metafísicos y abstractos adquieren fisicalidad y concreción en la obra de arte. Mientras que en La tumba de James Lee Byars (1986), el artista encierra metafóricamente en una esfera de arenisca los conceptos intangibles y absolutos de espiritualidad y pureza, que contrastan con el material poroso y estratificado. El espacio Cubo, al final de la exposición, está dedicado al Ángel Rojo de Marsella (1993): mil esferas de vidrio rojo dispuestas en el suelo crean una suntuosa forma antropomorfa y, al mismo tiempo, floral. La obra reduce la figura humana a su esencia, mientras que la connotación angelical, sugerida por el título, se abre nuevamente a una reflexión sobre el potencial metafísico humano y la relación con lo divino.
